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Anamorphis

La mostra fotografica “ Anamorphis ” nasce dalla maestria e dall’intuizione del giovane talento di
Edoardo Cozzani che ha raffigurato in un reportage d’autore l’animo umano nella quotidianità di New
York. Il percorso fotografico, prodotto dall’associazione culturale CultRise, sarà ospitato da B.O.X., un
luogo dedito alla passione per il vino, che immerso nella Roma Rinascimentale ospiterà la prima personale del fotografo di scuola newyorchese.
Edoardo Cozzani nasce a Roma, dove si laurea in giurisprudenza con una tesi in diritto d’autore. Grazie a un’esperienza di lavoro presso uno studio legale di New York comincia a sviluppare un forte interesse verso il concetto della disgregazione dell’individuo nella società contemporanea. Decide quindi di dar vita ai suddetti pensieri attraverso la fotografia, passione che da sempre coltiva. Prende parte al programma GS dell’International Center of Photography di New York, scuola di fotografia fondata nel 1974 da Cornell Capa. Grazie al programma, di matrice prettamente artistica, si avvicina alla fotografia concettuale, lavorando sulla rappresentazione delle forme, delle persone e dei loro comportamenti sociali. Da questo programma stilistico e accademico prende forma il progetto “Anamorposis”.
Anamorphosis nasce con lo scopo di esplorare alcune tra le inclinazioni più controverse della mente umana.

L’instabilità̀ emotiva porta a rifuggire la realtà e creare costruzioni sociali che conducono inevitabilmente alla disgregazione dell’individuo. La perdita dell’io.

Il percorso della mostra, ambientato in una location unica al mondo, aiuta e sostiene l’introspezione dello spettatore che a distanza riconosce gli ambiti più nascosti della quotidianità e del suo Io, anche se raccolti in un reportage d’autore che racconta questi ambiti a migliaia di chilometri di distanza. 
Le diverse prospettive sono necessarie per sondare l’animo umano. Un puzzle infinito fatto di apparenza e 
profondità, pienezza e vacuità oppressione e fuga. Le inclinazioni controverse dell’essere umano sono 
sondate in questa mostra dal fotografo Edoardo Cozzani. Esperto conoscitore della realtà apparente ed 
esploratore delle geometrie del profondo. L’estetica perfetta e la geometria opprimente si sposano con 
la fugacità delle figure umane che seppur ingombrano la scena sono assenti in una perenne attesa e fuga. Le molteplicità degli io disgregati che vengono proposti in questo percorso espositivo, si nascondono dietro 
convenzioni sociali che non fanno che accentuare, in un circolo vizioso, la perdità dell’essere. La fuga 
dall’abisso e dalla sua instabilità emotiva conduce ad uno stato di apparente e temporanea stabilità in 
attesa della manifestazione della follia latente. Ciò che in superficie si presenta come confortevole ed invitante, nasconde ombre e pluralità di forme che favoriscono perdita di fisionomie e coscienze. 

La rassegna fotografica Anamorphis è la prima tappa di un progetto che vedrà protagonisti due continenti e tre città. Essa renderà realtà lontane, apparentemente vicine attraverso l’obiettivo di Edoardo Cozzani e il suo studio dei comportamenti sociali. Scatti che raccontano superfici di profondità umane.

Anamorphis
Mostra fotografica presso B.O.X. Vicolo Sugarelli,22 (Via Giulia) Roma
8 – 12 Gennaio 2017 dalle ore 18 alle ore 21
Apertura alla Stampa: Domenica 8 Gennaio 2017 – ore 18:00
Apertura al pubblico: Domenica 8 Gennaio 2017 ore 19:00
Contatti
info@cultrise.com; +39 340 6026835

Natura, Città e Intelligenza Artificiale: le Identità Collettive in mostra a Roma

Sono le Realtà che ci circondano, pervadendo la nostra esistenza ed influenzando ogni nostra scelta, dalle più feconde intuizioni alla caotica routine quotidiana: da tale premessa nasce Identità Collettive, la mostra targata Cultrise che vuole proporre un’esplorazione dei luoghi tipici dell’esistenza umana in chiave artistica, attraverso delle riproduzioni inclusive dello stesso spettatore.

Lo scopo principe dell’evento risiede proprio nella diversa concezione dello spettatore: non più inteso come mero destinatario passivo dell’arte ma parte egli stesso dell’evento, esploratore della sua stessa realtà e agente diretto al fine di riflettere su ciò che ci circonda ogni giorno, il nostro rapporto con tali agenti esterni e la loro influenza su noi stessi.

Così un locale suggestivo, l’ex sottostazione Atac, nel cuore della città capitolina, il visitatore potrà perciò indagare il proprio rapporto privilegiato con queste realtà e riflettere sulla moltitudine delle identità che queste posso assumere.

Realtà influenzate dall’uomo che influenzano quest’ultimo: un rapporto circolare, sempre più al centro degli odierni dibattiti che i 3 artisti, ognuno narratore di una delle Realtà, mostreranno nella moltitudine di identità che possono assumere sulla base del ruolo da protagonista a cui è chiamato, volente o nolente, l’uomo.

Un percorso unico, che dalla Natura originaria, ostile brodo primordiale della nostra esistenza, rappresentata dallo Street Artist Jerico, si trasforma nelle Città, riprodotte da Polisonum in tre installazioni polivalenti e modificabili sulla base dell’interazione del visitatore-attore, fino a giungere all’Intelligenza Artificiale, narrata da Marco Bassan con il suo progetto “Digital Unconscious”, ultimo momento di un mondo futuristico, disseminato di androidi freddi esteriormente ma indagatori della propria identità in equilibrio precario tra l’umanità e l’artificialità.

Una ricerca della propria identità celata dietro l’uniformità collettiva: il leitmotiv nostro secolo.

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IDENTITÀ COLLETTIVE di Cultrise www.cultrise.com

Esibizione degli artisti: JERICO •  POLISONUM • MARCO BASSAN

presso The Popping Club – Via Baccina 84, Roma

Dal 27 al 31 Ottobre – ingresso gratuito

Apertura ore 18:30

Con la partecipazione di Casale del Giglio & Dall’Albero

A PROPOSITO DI AMORE E ARTE CONTEMPORANEA – HAPPY BIRTHDAY CHIOSTRO DEL BRAMANTE!

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L’esposizione romana intende affrontare uno dei sentimenti universalmente riconosciuti e da sempre motivo d’indagini e rappresentazioni, l’Amore, raccontandone le diverse sfaccettature e le sue infinite declinazioni. Un amore felice, atteso, incompreso, odiato, ambiguo, trasgressivo, infantile, che si snoda lungo un percorso espositivo non convenzionale, caratterizzato da input visivi e percettivi.

Il Chiostro del Bramante a Roma festeggia i suoi vent’anni di attività con la mostra “LOVE. L’arte contemporanea incontra l’amore”.

Passando rapidamente in rassegna alcuni degli artisti rappresentati, verrebbe quasi voglia di ribattezzare la mostra “l’amore per l’arte contemporanea”.

Robert Indiana e la sua famosissima scritta “LOVE” che fa venire voglia di toccarla e l’immancabile collega di pop art, Andy Warhol. La sua Marilyn serigrafata è l’icona della sensualità, della femminilità, con la sua ammaliante bocca e lo sguardo spento.

C’è poi quella fredda malinconia del neon bianco del “My Forgotten Heart” di Tracey Emin.

E ancora, la sensualità che era già stata di Marilyn esplode nei fiori di Marc Quinn, anche capace della più romantica scultura “Kiss”.

Questa mostra ha però di particolare il fatto che abbia aperto le porte a qualsiasi forma di linguaggio e comunicazione artistica, e così si può incontrare un gigantesco cuore nato dall’assemblaggio di forchette di plastica, che canta.

E ancora, questa mostra è comunicazione e social. Creato appositamente l’hashtag #chiostrolove, per condividere arte ed emozioni. L’opera più popolare su Instagram è “All the Eternal Love I Have for the Pumpkins” di Yayoi Kusama.

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Non c’è da sorprendersi. Un’opera d’arte totalizzante, che permette di entrare fisicamente in una stanza di specchi ed emotivamente in luoghi del tutto privati e segreti, nei luoghi delle percezioni visive e delle atmosfere mentali, dei sogni psichedelici e delle sensazioni più spontanee.

Finalmente ritorna così a Roma un’artista che negli anni ’60 e ‘70 aveva spesso scelto l’Italia per le sue esposizioni.

A primo acchito, fa quasi sorridere che sia ospitata in questa mostra intitolata all’amore, dal momento che veniva scritto di lei che “non esiste nessuno lontano dalla vita sentimentale quanto Kusama Yayoi”.

In realtà, nessun altro artista si trova forse così a suo agio in questo contesto: Yayoi Kusama ha amato l’arte più di ogni altra cosa, è stata la sua salvezza.

È un’arte totalizzante perché questa piccola donna giapponese vi si è sempre immersa per curare le sue fobie, tanto da definire la sua arte “ arte psicosomatica”. Ha trattato il tema della sessualità per tutta la sua carriera, da quando realizzava soft sculptures a forma di organi di riproduzione maschili, a quando dava vita a happenings a tema sessuale.

Ma come lei stessa spiega nella sua biografia “Alcuni pensano che io sia una fissata, ma si tratta di un clamoroso fraintendimento. Quei falli e quegli happenings erano una forma di automedicazione”.

Un’ultima piccola curiosità a proposito delle zucche. In giapponese, come in molte altre lingue, il termine zucca o zuccone viene usato in tono dispregiativo, addirittura una donna brutta viene etichettata come una zucca con naso e occhi. “Insomma, le zucche non ispirano gran rispetto, ma la loro deliziosa forma mi ammaliò. La cosa che più mi attirava era la generosa semplicità della struttura. E un’impressione di solidità spirituale.”

E ora tutti su Instagram. #chiostrolove

TRA XILOGRAFIE E DIPINTI, MIMÌ QUILICI BUZZACCHI ALLA GALLERIA D’ARTE MODERNA DI ROMA

All’interno dell’ampia esposizione Roma Anni Trenta. La Galleria d’Arte Moderna e le Quadriennali d’Arte 1931-1935-1939 trova spazio, in tre delle sale del palazzo di Via Crispi, una piccola, ma significativa mostra dedicata all’artista mantovana Mimì Quilici Buzzacchi.

Mimì Buzzacchi, nata in un paesino della provincia di Mantova nell’agosto del 1903, viene conquistata dalla vocazione della pittura fin da ragazzina, quando, in occasione di un Natale, ricevette una “lavagnetta magica”, come lei stessa dichiarerà in un’intervista rilasciata, nel febbraio del 1983, per il programma della RAI Leggere un quadro. I primi esordi dell’artista la vedono impegnata, presso le sponde del canale di Cesenatico (dove Mimì trascorreva le estati nella villa di famiglia), intenta a ritrarre le barche a vela ormeggiate lungo gli argini del porto-canale. Nasce così il primo ciclo di suoi piccoli quadri come Vele in canale (1925) e Case e vele a Cesenatico (1926) oltre alle semplicissime rappresentazioni di una Mimì ancora adolescente come Alba Adriatica (1921) e I due capanni (1923) che, con tratti essenziali e colori tenui, catturano momenti di grande quiete presso le spiagge adriatiche.

Saranno proprio i pomeriggi d’estate, trascorsi a dipingere all’aperto, a regalarle il proficuo incontro con uno dei più grandi intellettuali italiani del tempo: Filippo De Pisis. Lo scrittore, pittore e critico d’arte, infatti, scriverà, per primo, sul Corriere Padano, una recensione riguardante le tele fresche e vivaci della giovane pittrice. Inoltre, proprio il Direttore dello stesso periodico, Nello Quilici,  diventerà, pochi anni dopo, nel 1929, suo marito. Si aprirà per l’intraprendente Mimì un periodo di forti ispirazioni grazie alle amicizie strette (tra tutti Ugo Ojetti che farà l’introduzione per la raccolta di xilografie, Italia Antica e Nuova), ai viaggi effettuati (si recherà più volte in Libia, fonte di ispirazione per le sue incisioni) e alla partecipazione a numerose rassegne di alto livello (dal 1931al 1959 verrà invitata a partecipare dalla I all’ VIII Quadriennale di Roma).

È tuttavia, nel 1945, con lo scoppiare della seconda guerra mondiale, che gli eventi drammatici della storia influenzano le scelte di Mimì che, dopo aver perso il marito in Libia e la casa a Ferrara, andata distrutta durante i bombardamenti, è costretta a trasferirsi a Roma dove darà inizio ad una nuova produzione pittorica sicuramente più matura.

Sono di questo secondo periodo quadri come Luci di Roma (1948), Bucatino con il Tevere biondo (1955), Sole su Monte Mario (1957), Sponde in gemme (1960), Piccola valle in rosa (1960), che avvicinano, per la pennellata larga e per la composizione pittorica, lo stile della pittrice al filone dell’espressionismo: il tratto astratto e la scelta dei colori veicolano lo sguardo verso le emozioni lasciando all’osservatore la possibilità di immaginare le raffigurazioni.

Oltre all’intensa produzione di oli su tela, Mimì si dedicò ad una raffinata arte di nicchia, riservata a quei pochi estri che vollero approfondirla: la Xilografia. La Buzzacchi fu molto famosa per le sue incisioni su legno e la terza sala della mostra è allestita con le sue più significative lastre lignee. Sorprende in particolare Lungastoria (1947), xilografia, su carta vergata, composta da due tavole, ma che vuole restituire un’ unica e interminabile panoramica in cui da San Pietro fino al Foro Italico la contrapposizione costante dei chiaro scuri restituisce il dettaglio delle strutture architettoniche, dei paesaggi naturali delle sponde del Tevere e della collina di Monte Mario.

Sarà possibile visitare l’esposizione fino al 27 novembre per immergersi nel relativo percorso espositivo che, arricchito con documenti, stralci di scritti, video e quadri donati dagli amici artisti, ci racconta l’arte e la vita di una donna del ‘900 italiano il cui valore artistico fu già riconosciuto dai contemporanei del suo tempo.

La mostra è stata promossa da Roma Capitale Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali con l’organizzazione di Zètema Progetto Cultura ed è a cura di Federica Pirani, Gloria Raimondi e Maria Catalano, in collaborazione con l’Archivio Mimì Quilici Buzzacchi

Per info e dettagli visita il sito: www.galleriaartemodernaroma.it

Catalogo della mostra: a cura di Vieri Quilici e Paolmbi Editori, Mimì Quilici Buzzacchi. Tra segno e colore, PALOMBI EDITORI, settembre 2016.

BANSKY A ROMA: UN SUCCESSO, MA NON PER I SUOI VERI AMMIRATORI

Termina oggi la prima mostra nel territorio italiano del più celebre street artist del mondo, andata in scena presso Palazzo Cipolla, storico edifico appartenente una volta alla nobiltà capitolina situato nel cuore di Roma che si affaccia su Piazza Venezia, a pochi passi dal Pantheon e quasi equidistante da Fontana di Trevi.

Una location singolare per rappresentare l’Artista del popolo, creatore di opere notoriamente donate alla fruizione collettiva o al massimo a gente comune; opere certamente controcorrente e irriverenti che l’hanno portato a far breccia principalmente negli strati di società più svantaggiati e rancorosi verso una società che non li ha capiti e sopportati.

Così anche la scelta stessa di riunire le opere dell’artista (presumibilmente) di Bristol all’interno di una mostra chiusa e destinata ai soli visitatori paganti non è stato accolta favorevolmente, sebbene i fatti sembrano dimostrare che i detrattori si sbagliavano: l’esposizione è stata visitata da un numero impressionante di persone, circa un milione di visitatori al giorno (di cui più o meno la metà turisti).

banksy-roma-mostra

Un successo numerico innegabile per quella che è la prima mostra europea di Bansky di tale portata, che ha riproposto (o almeno provato) lo spirito voluto e cercato dallo street artist: la sua caratteristica critica irriverente è il fil rouge ricercato da tutta l’esposizione dall’emblematico titolo “Guerra, Capitalismo e Libertà”, con le celeberrime opere di denuncia della società odierna che ne accentuano le contraddizioni con la sua tipica combinazione di umanità e umorale.

Banksy, Pulp fiction cm. 63 x 40_0040

Il trittico scelto come denominazione della mostra racchiude pienamente le principali ossessioni dell’artista, che denuncia l’incombenza delle prime al fine di farsi portavoce di una libertà totale e totalizzante, voce spesso fuori dal coro e controcorrente; tali aspetti appaino però, come già accennato, in contraddizione con lo spirito, l’arte e l’artista “banskyano”: la destinazione pubblica delle opere, ammirabili camminando liberamente tra le strade così come la denuncia del capitalismo, dello sfruttamento economico e degli squilibri economici e sociali che precludono quasi tutto a molti per garantire troppo a una piccola elite appare in antitesi con la volontà di rinchiudere dentro una mostra chiusa e a pagamento.

L’ideatore di tale mostra, il Prof. Avv. Emmanuele F.M. Emanuele, presidente della Fondazione Terzo Pilastro, descrive con orgoglio l’esser riuscito a riunire per la prima volta all’interno di una mostra “150 opere (incluse 50 copertine di dischi) tra sculture, stencils e così via, tutte rigorosamente di collezionisti privati e, dunque, assolutamente non sottratte alla strada”, sottolineando come l’esposizione rappresenti un unicum per la sua “forte componente di denuncia sociale”.

Parole che probabilmente non basteranno a convincere i più forti seguaci di Bansky, soprattutto del primo Bansky, indifferente alla ribalta mediatica e mero portatore volutamente ignoto di messaggi sociali diretti direttamente al popolo, restio a ogni sorta di collaborazione con gallerie e musei.

Banksy,Love is in the air (flower trower) 2003 cm. 90 x 90_0020

Riprendendo le parole del presidente della Fondazione Terzo Pilastro, la mostra, che dal punto di vista prettamente numerico ha avuto un successo innegabile, ha diluito gran parte della denuncia sociale fondamento delle opere di Bansky che inevitabilmente appaiono offuscate, estranee al complesso espositivo, così come la mera giustificazione di non aver estratto alcuna opera dalla strada risulta invece l’unico mezzo per esporre delle opere senza il consenso dell’autore.

 

Il possibile avvicinamento alla street art di parte della società che difficilmente si sarebbe accorta ed appassionata di tale arte visiva avulsa dal complesso museale non può giustificare una tale deviazione dal messaggio principe dello Street artist che più di tutti è stato il fautore della sua esplosione; un deragliamento verso la mercificazione che è stato denunciato da più artisti della strada, di cui riportiamo un video emblematico realizzato da Canemorto.

 

Se un muro prende vita. Se la materia lascia posto all’emozione… forse allora si può dipingere un sentimento

Il muro. Questa immagine ha sempre evocato nell’immaginario collettivo qualcosa di fermo, stabile,  che limita l’accesso a un elemento della realtà. Mario Arlati trasforma questa immagine in qualcosa di diverso, una rappresentazione dinamica, in divenire, colma di sfumature e di movimento. Il Muro di Arlati non rappresenta un ostacolo, ma al contrario fornisce la chiave per accedere a un mondo a tratti inesplorato, regalando all’osservatore stesso gli strumenti per poter espandere la propria immaginazione in una continua ricerca interiore. Non è un caso, infatti, che “I Muri” di Arlati continuino a rappresentare negli anni dei veri e propri gioielli nello scenario dell’arte contemporanea.

Come molti artisti contemporanei, Mario Arlati parte dall’utilizzo della materia. Una materia, tuttavia, che già dal primo momento non appare statica, ma assume una dimensione dinamica e in continuo divenire, che attrae l’osservatore come uno spettatore davanti ad un’ avvincente pellicola. Scrive Enzo De Martino: “Mario Arlati prende a pretesto la materia per immedesimarvisi, per esplorarne le più segrete possibilità espressive.” E ancora scrive Claudio Cerritelli : “La pittura è per Arlati materia che non disperde alcuna energia fuori da sé, perchè è materia entro cui si nasconde altra materia”.

Arlati, vero artista contemporaneo, conosce bene come interpretare l’anima e l’essenza che caratterizzano la pittura di questo periodo storico. Il linguaggio, il mezzo utilizzato, non è solo uno strumento per trasmettere un messaggio, ma rappresenta il messaggio stesso. Un’opera d’arte è tale quando è in grado di evocare sensazioni, emozioni, modificare lo stato d’animo dell’osservatore e indurlo in uno stato di contemplazione.

E’ interessante notare come un muro di Arlati, nella sua incredibile bellezza estetica, sia pervaso da ferite, tagli, lacerazioni, rotture della tela, che rappresentano e richiamano i numerosi conflitti mai risolti dell’animo umano con i suoi persistenti interrogativi.

 Senza ricorrere alla figurazione, la tela viene usata da Arlati come un muro che delimita un luogo magico in cui, alla gestualità continua della pennellata di colore cui sovrappone un’altra ancora, si affida il compito di rievocare frammenti sparsi di una realtà vissuta intensamente” (Giulia Coccia). Dietro tali violente lesioni della materia e stratificazioni interne, si nascondono i colori forti, accesi, che in un primo momento sembrano imprigionati e trattenuti dalle fenditure del muro, ma che successivamente, sembrano voler fuggire dalla tela, ed esplodere all’improvviso per scatenare tutta la loro potenza nell’animo dell’osservatore.

Arlati utilizza in modo innovativo ed audace le ombre come se fossero un nuovo colore. Tali ombre, dovute alla luce di un ambiente che illumina le increspature del quadro, conferiscono all’opera un aspetto più che mai in divenire, come le onde del mare, riflettendo le infinite sfaccettature dell’animo umano. Scrive Emanuela Dottorini di Torlonia “il muro di Arlati è un respiro che riflette la propria luce e la propria ombra dentro i meandri e le fenditure irregolari del quadro finito”.

L’intenzione di Arlati non è quella di descrivere. L’arte figurativa, narrativa, è completamente abbandonata. Il soggetto dell’opera non è un elemento della natura o una figura umana. Al contrario, questo straordinario artista parte dalla materia per dipingere emozione, utopia, sentimento; non il sentimento in quanto tale, ma un sentimento personale suscitato intimamente nello spettatore. L’osservatore viene coinvolto dall’opera stessa e indotto in uno stato di contemplazione e ricerca interiore.

Ciò che affascina enormemente in questo artista è che l’osservatore riesce a percepire solo uno spiraglio dell’opera stessa. Il dialogo con la materia, come lo definisce Enzo Di Martino, è un dialogo segreto, che tuttavia è in grado di evocare sensazioni enigmatiche e misteriose nella loro intensità, alle quali l’osservatore stesso ha difficoltà a dare un nome.

Scrive ancora Claudio Cerritelli: “La pittura è per Arlati materia che non disperde alcuna energia fuori da sé, materia entro cui si nasconde altra materia, frammento che rimane ancorato alla tensione dello spazio in cui è stato concepito, manipolato, esaltato”.

Ci troviamo di fronte a un artista che non ha avuto timore nel compiere qualcosa di incrediblmente unico. Arlati non soltanto evoca un’emozione. Mario Arlati rappresenta l’emozione stessa.
Scaglie di luce, ombre estese e affilate, colori vivi come il rosso del sangue, il blu intenso del cielo d’estate, il bianco della purezza e innocenza, il giallo-arancione delle fiamme tendente verso sfumature dorate, il nero dell’ignoto che provoca paura e inquietudine nell’ animo umano,  intravisti come lame attraverso le lacerazioni, o prepotentemente “liberati” sulla tela. Sono questi gli elementi che uniti in una tela danno vita a un “Muro” di Arlati.

Un muro che non rappresenta un ostacolo, ma una porta verso un suggestivo ed emozionante viaggio nella propria dimensione interiore.

Giovanni Alfonso Chiariello